99藝術網攜手永樂藝典藝術季聯合推出的中國當代藝術夜場將于2月22日-24日于藝典App進行線上預展，并于2月25日晚九點開拍。
此次夜場將精心為藏家呈現一眾當代藝術銘心之選，從周春芽、羅中立、岳敏君等大家代表作到李吉亮、曾樸、李璟等青年藝術家近作，以滿足不同收藏需要的藏家選擇，其中部分作品將于2月23日至24日在北京四季酒店展出，歡迎各方藏家蒞臨賞鑒。
當代藝術專場
周春芽
《紅原寫生之一》、《綠狗系列：Titi2號》
尺寸：38×47cm
年代：1981年
質地：布面油畫
款識：周春芽 1981（右下）； 1981年于四川紅原縣寫生、紅軍走過的路 2006 周春芽（畫背）
估價：RMB 80萬-100萬
1980年暑假，周春芽和同學去了四川阿壩州的紅原－若爾蓋草原，在這個被譽為「高原上的綠洲」的地方，藏族是主要的居民，并基本以游牧生活為主。紅原是當年紅軍過草地經過的地方，近處綠草茵茵，遠處山巒疊黛，美不勝收，特別是壤口鄉的俄木塘草原花海，面積達3萬多畝，各種顏色的小花，漫山遍野，一望無際。最藍的天、最白的云、最綠的草，在這里組成了一幅幅最獨特迷離的風景。
草原上的色彩強烈，濃厚的色彩和藏民純樸粗曠的個性讓藝術家發現了從未見過的美感。這件紅原寫生作品創作之時，周春芽當時開始受法國印象派影響，紅原的自然風光讓周春芽至今難忘。“當時那種光線、那種色彩，還有草原、天空，所有的印象太強烈了，我自己真的很難忘記。”雖然是受到印象派技法的影響，但印象派輕靈的色彩和筆觸被周春芽質樸化和厚重化了。
尺寸：150×200cm
年代：2007年
質地：布面油畫
款識：2007 周春芽 Zhou Chunya（右下）
估價：RMB 200萬-300萬
創作于2007年《綠狗系列: Titi2號》全身造型以鋒利筆觸搭建豎立的毛發，無論是形體、毛發、眼神都變得更加具象，色彩也更為沖突與強烈，綠狗從溫馴的寵物犬，蛻變成具張揚且銳利性格的當代表現性符號，完美回應工業文明時代下的一種「前衛美學」。歷經黑根的過世，此時他描繪綠狗已不單僅是「黑根」，可以是朋友和鄰居家養的杜賓狗或大獵犬，或是任何一只德國牧羊犬。周春芽從生活中真實的情感存在抽離，轉換成對繪畫態度、畫面的結構、色彩的構成…等等純繪畫性的探索。綠色對于周春芽而言是寧靜的、浪漫的、抒情的，但也是爆發前的寧靜意境。
《綠狗系列：Titi2號》的身軀大區域分布濃郁的綠色，而鮮褐色四肢與雙耳與垂墜于齒顎間鮮紅的舌頭，僅從鮮明對比的色彩構成上來說，足以給視覺帶來刺激，而根根分明明垂直落筆的利落毛發，與銳利直視前方的目光，更塑造綠狗強烈爆發力與沖擊性。周春芽嘗試以一種張揚而冒險的筆法，營造一種隱晦的暴力氛圍，使觀者不由自主受其激揚的情緒點燃，進而產生共鳴。
羅中立 《過河》
尺寸：150×130cm
年代：2013年
質地：布面油畫
估價：RMB 180萬-250萬
羅中立一直在試圖通過人們熟悉的古典方法來表現屬于中國的恒定性。90年代開始，羅中立開始了語言上的改變，他放棄了古典的涂抹方式，開始用線條的方式來表現對象，并且在認真研究了傳統的藝術之后加入了民間藝術的特征。2010年后，羅中立開始更徹底地呈現出線構成的世界。這些作品構成了一種單線的圖畫，線條具有了完全書寫性的特征，空間與體積徹底喪失，構圖趨于平面化。
創作于2013年的《過河》，是這一時期創作方式的典型代表作，畫面上用較為完整的線條勾勒出形象的大體輪廓，然后根據需要用其他線條加以填充。畫面上縱橫交織的各種直線、曲線、波浪線，盡管看起來卻像是隨意的涂鴉，但包含著羅中立長期速寫的積累，呈現出一種靈動又放松的效果。 “過河”是羅中立喜歡反復描繪的主題，這件《過河》描繪了一對青年男女相扶過河的瞬間，女子膽怯、試探的姿態中不失俏皮，男子攙扶女子的姿態小心翼翼又憨態可掬，將青年男女在這一瞬間情感流露的狀態描繪得惟妙惟肖。 羅中立擅長畫油畫人物，尤其擅長表達鄉土人情，他抓住了特定的生活場景、光線和氛圍，留下瞬間的畫面，這也成為他繪畫標志性的特征。對于畫家而言，鄉村生活簡樸但不枯燥，反而能夠凸顯人類同舟共濟、相濡以沫的溫情，而這亦是他甘于留守鄉土，繼續挖掘其藝術性的原動力。
程叢林 《阿米子與羊》
尺寸：89×145cm
年代：1990年
質地：布面油畫
款識：叢林 conglin 1990（右下）
估價：RMB 60萬-80萬
程叢林是“傷痕美術”的代表人物之一，他關注極其普通、極其平凡的人們的生存狀態，如實描繪他們的悲歡離合。不作夸張，不加美化，內心負載親眼所見，親身所歷的那些卑微人物無怨無悔的生命狀態。程叢林賦予他們人性的關懷，并表現出人物內心的精神力量。 程叢林在上世紀八九十年代創作了許多以布拖彝族人為題材的作品。以其執著真誠的精神感染著藝術界的同行專家們。他深入彝家同大山里的彝人同吃同住，由心靈去感悟布拖彝族人的喜怒與哀樂。
作品《阿米子與羊》畫面中的女子身著傳統彝族服裝，其素雅的顏色端莊，肅穆。尤其是披在身上的白色袍衫，更添一種民風淳樸的 回味。少女趕著一群羊走在鄉野的土路上，顯得寧靜而祥和，仿佛周遭的時間都慢了下來。而女子背后茂盛的樹林仿佛也從側面彰顯了藝 術家自己的心情：寧靜的彝族山區可以使人忘記諸多煩惱與生活瑣事，一切歸于平靜?！栋⒚鬃优c羊》可以說是對山里彝人世俗生活遺跡的真實捕捉，這些作品以系列化的形式折射著布拖彝人原始的生存狀態，用厚重的 油畫語言表現了那片土地上自給自足的彝族人。
龐茂琨 《女孩之二》
尺寸：160×120cm
年代：2011年
質地：布面油畫
款識：龐茂琨 2011（右下）； 女孩之二 160×120cm 布面油畫 2011 龐茂琨（畫背）
估價：RMB 80萬-120萬
龐茂琨以精湛的古典繪畫技巧、高雅的畫面氛圍著稱，他一直致力于古典油畫藝術語言和形式的超脫創新，他將古典寫實主義的人物形象與深沉卻富有沖擊性的顏色交織在一起，營造了唯美又焦慮的狀態。千禧年之后，龐茂琨開始逐漸將古典主義創作進行衍生、提煉，實驗，不斷思考和求索，擺脫了古典繪畫的評價體系，不斷更新自己的藝術軌跡。
作品《女孩之二》曾參加2011年中國美術館舉辦的“中國寫實畫派7周年畫展”。這幅作品中，女孩紅色的裙子和鞋子相互呼應，凸顯了畫面的主題。紅色本身昭示著活力、熱情，在畫面中隱喻了女孩的青春活力。雖然畫面的構圖單純簡潔，但純度較高的紅色在灰色的背景中反而造成了一種視覺上的突兀感，用強烈的顏色對比引起觀者注意。在2010年之后，龐茂琨的作品開始強化景觀的置換和再造，突破傳統架上繪畫的敘事性，這是對自身創作的顛覆和解構，也開辟了全新的創作可能。
郭偉 《晚安》
尺寸：150×200cm
年代：2020年
質地：布面丙烯
估價：RMB 50萬-60萬
在郭偉的作品中，圖像大致有三個來源：第一個是來自網絡的圖像，第二是從藝術史中選取的圖像，第三是利用日常生活中的圖像。但不管是哪個類型的圖像都會涉及到一個共同的問題，這些圖像是真實的嗎？它們可信嗎？郭偉用了十年的時間，構建了龐大的圖像系統。如果說之前郭偉的作品主要思考的問題是何為圖像的真實，以及圖像意義生成的話，在最新的作品他似乎走向了問題的反面，因為此時，追求意義與消解意義、圖像與“反圖像成為了繪畫的焦點。
在最新的作品中，郭偉遵循著自身的創作軌跡和一貫的圖像處理方法，以個人化的視角去選擇圖像，顛覆既有的圖像觀看經驗，賦予作品新的修辭方式。表面看，在這個過程中，繪畫似乎變得輕松了，語言也更為直接了，但實際的情況是，藝術家的主體意識同樣容易被圖像所遮蔽。
但在新作《晚安》中，圖像顯得破碎、分裂，因為形式的演繹，它們失去了具象的外觀。面對這些線性的、抽象的語言，我們會感到似曾相識。它們與早期現代主義繪畫那種“有意味的形式”十分相似，也具有分析立體主義的語言特征。但是，對于郭偉來說，西方現代主義繪畫通過“形式自律”和形式的編碼來賦予作品意義的方式，并不是他追求的，相反，在這里郭偉的工作重點是消解圖像，使其僅僅成為一種視覺性的存在。
張大力 《鴿子 27》
尺寸：230×130cm
年代：2021年
質地：純棉布黃曬
估價：RMB 40萬-50萬
作為中國當代藝術代表人物之一，張大力的藝術創作充滿了對時代變化的敏感性和個體經驗的感知力。雖然以街頭涂鴉“對話”而聞名，但他并沒有局限于這一種藝術形式之中，而是在藝術與生命的縱向維度中不斷深入。
從2009年7月開始，張大力用藍曬法記錄當時工作室所在的黑橋周邊的野花野草，而后他擴展到用這種方法記錄周遭的人和物，并把這些都稱為“世界的影子”。這些作品所使用的技法是180年前的“藍曬法”，也稱“古法藍曬”。將植物放置在涂滿藥水的畫布上，在陽光下暴曬5至8分鐘左右，當藥水和陽光中的柴外線碰撞后，就會將植物的影子留在畫布上。
飛翔的鴿子，是張大力藍曬法系列作品中的重要題材，如同樹影，鴿子的瞬時動作亦是時間中的一個片段。在對運動的片段進行捕捉的過程中，張大力將無形且轉瞬即逝的陽光與影子轉化為了永恒的時間印記?！而澴?27》中，鴿子形態各異、靈動自然，充滿生命的活力。明與暗的層疊，使畫面的空間感更加縱深。在似與不似之間，具有一種抽象的審美意味。
梁銓《海市蜃樓》
尺寸：34×58cm
年代：1998年
質地：宣紙彩墨拼貼
款識：梁銓 1998（右下）；海市蜃樓 梁銓 1998（畫框背面）
估價：RMB 8萬-10萬
梁銓是中國較早將傳統水墨結合抽象創作的藝術家之一，他的作品表達了寫實和寫意的思考，用細碎的言語辯白，在形與無形之間重建秩序，細節的極致調和以至“空”的境界。
2000年左右，在禪宗思想的影響下，梁銓開始在畫面中更加追求精神上的表達。他的畫面從80、90年代的“滿”轉向“空”、從“重彩斑斕”轉向“平淡天真”。創作于1998年的《海市蜃樓》可以說是梁銓轉型階段的一件佳品。雖然作品中依然保持著豐富的色彩，但卻將具象的敘事元素進一步剔除，僅留下抽象的色塊，也標志著藝術家通過對形式語言的進一步提純，而進入到對繪畫本質的探索，以及用藝術連接禪宗精神與人生哲學的嘗試。
岳敏君 《再肖像NO.1》
尺寸：27×24cm
年代：2014年
質地：紙本水彩
款識：2014 yueminjun（左下）
估價：RMB 8萬-12萬
岳敏君是中國當代最富盛名的藝術家之一，“笑臉”系列作品無疑使岳敏君登上中國當代藝術神壇，帶著夸張標志性大笑的“自我形象”成為一代藝術偶像并蜚聲國際。 2007年，他登上《時代周刊》封面，并當選為“時代周刊年度風云人物”，在獲獎的五位全球重要人士的名單上岳敏君是唯一一個中國人，也是唯一一個藝術家。自參加了1999年的第48屆威尼斯雙年展后，岳敏君成為了歷屆威尼斯雙年展的受邀中國當代藝術家，其鮮明的藝術特征更是為中國當代藝術以及文化在世界舞臺上寫下了不可忽略的重要一筆。
“再肖像”系列中，岳敏君完成了內容與情緒上的前后關聯。“再肖像”將圖像的主體關注于同代的藝術家，栗憲庭、艾未未、蘇笑柏都成為岳敏君筆下的人物，這些藝術圈的大咖們在參與了重要的藝術實踐之后，自身的圖像同樣被圖示化，形成中國當代藝術中的重要形象。面孔上的起伏與結構，并非是像美術史上某種主義的致敬，而是源自岳敏君對于圖像本身的揉皺行為。
薛松 《美人圖》
尺寸：80×80cm
年代：2006年
質地：布面丙烯、綜合材料
款識：薛松（右下）；美人圖 80cm×80cm 薛松 XueSong 2006（畫背）
估價：RMB 15萬-20萬
薛松被譽為中國“波普藝術”最重要的藝術家之一，也是“新海派”藝術家代表人物。 薛松的繪畫是對繪畫本體的解構和再造，經過解構與重新建構，各種圖像在互為呼應或沖突之中被賦予全新的意義，借此反映藝術家對東方與西方、歷史記憶與當下現實、傳統文化與現代觀念、全球化與個體等各種議題的思考及隱喻。
他一直喜歡表現矛盾的圖式。身為新上海人，薛松在美國伊利諾伊大學東亞研究系主任徐鋼看來可謂新海派的代表。他說，在現代文學中有人批評當年名噪一時的禮拜六派、鴛鴦蝴蝶派等海派文人是“名士才情，商業競賣”。徐鋼認為這恰恰是上海藝術家的特色：“薛松把上海的名士才情破解，重新組合，變成一種有意味的作品。他與國際品牌合作，可謂新海派藝術的代表。”他強調，新海派今天最大的意義就是我們怎樣解釋歷史和傳統，怎樣去尊重歷史，像歐洲那樣去還原一種有質感的生活。新海派藝術家對于城市化不是抱著簡單粗暴的反對態度，而是從日常生活的視覺表現中尋找一種可能性。
劉可《根莖與巖石》
尺寸：205×180cm
年代：2021-2022年
質地：布面綜合材料
款識：劉可 2021-2022 205×180cm（畫背）
估價：RMB 28萬-38萬
作為75后中國當代抽象藝術的代表藝術家之一，劉可一直在抽象的概念、語言和形式中不斷地研究、嘗試與超越。矛盾與對抗似乎是劉可作品中無法回避的問題。在對西方哲學進行研讀的基礎上，劉可嘗試通過作品來思考關系的建構、能量的運動等形而上的問題。他最大限度地保留著抽象藝術語言的純粹性，堅守著以線條、色彩、結構為系統的繪畫的本質；但同時，他又是當代的，他將不同的材料、元素運用到抽象作品中，并賦予作品以能夠表達現實生活的敘事性。
事實上，在劉可工作的時候，他把每一幅畫都當作一幅獨特的、獨立的作品來對待，同時他把它作為系列的一部分，很難說什么時候劉可決定去開始一個系列，正如本件《《根莖與巖石》》，雖然在創作的過程中有一些顏色和比例的限制，但這些限制通過畫面最終得到了更充分的釋放，這些觀眾并不能僅僅在他的一兩幅畫中便可體驗或注意到。劉可的作品透露出理性、秩序和深思熟慮。畫面上體現出某種秩序和無秩序之間的沖突，是一種受控的圖像，劉可的作品并沒有向人們描述什么事件，而它們本身就是事件的展開。
歐陽春 《土鱉和洋人》
尺寸：210×210cm
年代：2004年
質地：布面油畫
款識：OYX（左下）；土鱉和洋人 歐陽春 2004 布面油畫（畫背）
估價：RMB 50萬-80萬
在繪畫的過程中，歐陽春特別關注偶發性，“我一直避免一個問題，因為畫得特別熟把畫畫壞了。許多作品有來源于我實驗的過程。”恰是這種實驗性調動了他對繪畫的陌生感和某種想象，以某種私人化且不受約束的方式進行創作。
《土鱉和洋人》乍看之下像是兒童畫般的信手涂鴉，濃烈的顏色，厚重的油彩，狂放的筆觸，堆砌出歐陽春式的隱喻，衣衫襤褸的深膚色土鱉和衣著光鮮的淺膚色洋人共同在藍色背景的天空下張開雙手，像是在呼吁著什么，畫面人物形象即使帶有強烈對比，卻在色彩的運用上顯得和平。
此幅作品筆法樸拙且富有韻律感，不禁使人聯想起著名街頭非洲裔藝術家巴斯奎特用粗拙的直覺表現即興、饒有童趣的涂鴉，以及粗曠、簡單踴躍的美學風格。稚拙的畫面體現了歐陽春在繪畫上的“自我教育”，藝術家用摒除技巧性因素的畫風不僅和保守的學院藝術拉開了距離，更使人聯想起抽象表現主義的形式鮮明、強烈和質樸。產生這種結果并非單純來自主觀、本能的感受，更多地帶有一種目的性，通過最大限度地避免繪畫規則的限制來保持個人于繪畫的原始創造力。
陳墻 《作品 07-71》
尺寸：81×65cm
年代：2007年
質地：布面丙烯、宣紙
估價：RMB5萬-8萬
陳墻是在用一種純粹的方式創作，畫面里，他利用點、線、面喚起眼睛的原始知覺。在這個過程中，陳墻所追求的，并非冰冷無感的技術或停留在淺層的視覺審美，而是將波瀾不驚的畫面對應以生命的起伏狀態，正如他自己所說：“我喜歡關注潛藏隱顯與含而待露的生命狀態，及生命意志無處不在的暗涌狀態。”
《作品 07-71》創作于2007年，是陳墻點式抽象時期的一件作品。在由圓點所構成的畫面中，借助色彩造成或凸或凹的視錯覺，也進一步帶來空間上或出或入的韻律感，是一件能夠同時觸動視覺與心理的佳作。
劉慶和《無題》
尺寸：50×70cm
年代：2010年
質地：設色紙本
款識：慶和畫并記；鈐?。簯c和、劉、龢
估價：RMB5萬-8萬
在將傳統水墨材料與當代精神相結合的課題中，劉慶和給出了一個范本式的圖像處理方法。劉慶和關注當代都市，描繪著當代人的精神圖像，在探索中化解傳統筆墨范式，從中尋找出與當下體驗契合的因素。
《無題》這件作品描繪了兩個洋溢著青春氣息的少女：一個腳垂水中，一個俯身看魚，畫面色彩清麗，通透明亮，烘托出輕松快意的氣氛。作品既保留了傳統繪畫的筆墨精髓和古代仕女畫中的人物動態神情，又沒有割裂與當下的生活環境和時代氣息的聯系?？梢哉f是一件彌合了傳統與當代、古法與新意的作品。
青年藝術家專場
曾樸《凝視 35》
尺寸：110×250cm
年代：2022年作
質地：布面油畫
估價：RMB 7.5萬-10萬
觀眾第一眼看到曾樸筆下的肖像，最大的感受便是輕盈。這些不同表情，不同姿態、不同性格的青年人像是懸浮在空中的一個個氣泡。他們既是真實的、也是虛構的、既觸手可及又虛無縹緲。曾樸將自己筆下的這些肖像稱之為“景觀”，這也說明其中一定有什么共性，作為一個文化觀察者和視覺藝術的創作者，他相信“肖像”最能反映人的個性，而一群人則代表了城市的性格。
曾樸的人物作品大多為單人肖像，此次上拍的《凝視 35》是其為數不多的雙人像作品，畫中人物在兀自思索間，產生著靈動的精神交叉。
張釗瀛
《庫爾貝先生的派對》、《藝術城堡》
尺寸：120×250cm
年代：2021年
質地：布面油畫
估價：RMB 8萬-12萬
作為80后青年藝術家中活躍且極具代表性的一位，張釗瀛的作品有著明顯的時代反思性和對于藝術史，社會現實等話題的思考，他始終帶著對這個世界不斷探索的欲望并始終保持著對于這個社會強大而敏銳的感知力。
尺寸：120×300cm
年代：2022年
質地：布面油畫
估價：RMB 10萬-15萬
張釗瀛從對宏觀藝術史的審視，到對社會現狀的關注，再到與身邊人的交流，最終回歸到了他對于自身處境的思考。他的藝術創作不再去討論那些形而上學的藝術的本體，而是不斷思考著人置身于時代之中的處境，觀察著人與人、人與社會、人與時代之間雜糅而又參差的關系，他試圖以一種不斷內收的姿態去理解這個依舊混沌的世界與社會。
《庫爾貝先生的派對》中的場景敘事構成為畫面的基調，這源自張釗瀛對美術史和戲劇史中一些經典圖像和經典場景進行的再創作，作為當代個體對藝術史的多元解讀。對周遭環境敏感的他，更愿意用這種劇場式的戲劇化表現包裹住內心的情感。
《藝術城堡》討論著人類所直觀面對的當下，在出其不意地碰撞交融中，構建著藝術家專屬的全新圖像世界。在題材的選取上削弱了敘事性，而使觀者更加注重畫面感，于不同的處境之中找尋到共鳴。
李吉亮《踱步》
尺寸：200×150cm
年代：2022年
質地：布面丙烯
估價：RMB 4.5萬-6.5萬
李吉亮擅長在有限的視覺元素中不斷豐富畫面背后的故事。繪畫形式的隱喻與簡約恰恰為觀者余出遐想空間，將難以名狀的微妙情緒盡數呈現。簡練的線條、熱烈奔放的色彩交織成的畫面為視覺體驗帶來無比充盈的滿足感，與發人深省的內涵結合在一起，這種獨樹一幟的風格使李吉亮受到了廣泛關注。
李吉亮熟練地使用平面色彩。在《踱步》中，大面積的紅給人強有力的視覺沖擊，或黃或白的吉他使整體色彩更加跳躍。在“線”與“面”要素的畫面節奏中，鋼琴下半部分卷起的琴體露出五把小件的樂器，透露著慌亂擁擠，紅色鋼琴頂部斷裂錯位的支架暗含了外部力量的壓迫，畫面在不動聲色中有了生命和情緒。
初劭瑋
《Forest》、《Baby Face》
尺寸：100×100cm
年代：2022年作
質地：綜合材料/油彩/丙烯
估價：RMB 2萬-3萬
2019年，初劭瑋在無意間接觸到了新系列的創作材料——菲林。由于所選用的創作方式和材料的特殊性，每一幅作品基本都是由2-5層單面不同的繪畫圖案所疊加在一起呈現的。底層在布面油畫上進行創作后，再加上菲林層層疊加，作品本身所采用特殊透明反光材質可以使每一層色彩更加通透高級。
尺寸：150×100cm
年代：2022年作
質地：綜合材料/油彩/丙烯
估價：RMB 2.5萬-3.5萬
《Forest》和《Baby Face》均為初劭瑋創作于2022年的新作，代表了初劭瑋在這一階段藝術探索中的兩個方向。具有涂鴉感的《Baby Face》延續了初劭瑋的“老玩具”系列創作。他將自己收藏的玩具作為題材融入繪畫創作，在玩具本身的造型基礎上進行抽象變體，再通過繪畫方式把這份感受表達出來，當觀者被色彩或畫面本身的反光特性吸引時，也能引發情感共鳴。
《Forest》則完全從具象的形象中抽離，走向抽象，也意味著初劭瑋將其感興趣的色彩、反光、空間與畫面的關系這一問題進一步提純，從而進行更純粹的繪畫形式語言研究。
李璟《花花世界》
尺寸：120×120cm
年代：2018年作
質地：布面丙烯
估價：RMB 6萬-10萬
李璟的作品帶有很強的“自傳”性質，但這種“自傳”并不是對某個個體經歷的 追憶與講述，而是一種關于已逝童話歲月的群體性回響。作品傳達出的是他與生存環境的某種關系，時而緊張、時而洽適，時而懷疑、時而認同，時而飄忽、時而堅定，“不確定性”與“多種可讀性”也正是這一代人共同的價值傾向。
《花花世界》創作于2018年，是開啟李璟“藝術史”系列的一件重要作品。舞臺劇演員式的人物形象、杜尚《泉》的草圖、三道杠大隊長袖標、石膏手臂、黑板上的板書、褪色的80年代玩具……這些看似毫不相關的元素和物件就像是一個個“詞”，看似獨立但又彼此相關，在這個密閉空間中進行拼貼和組合的過程中，產生新的意義，映射出的是與這個時代的生存環境、文化歷史有關的記憶與反思。
楊家勇《The One 系列 - 葫蘆》
尺寸：120×150cm
年代：2022年作
質地：布面丙烯
估價：RMB 4萬-6萬
楊家勇的“The One”系列作品，雖然描繪的是生活中常見且普通的蔬果題材，但卻不能簡單定義為蔬果圖像，其作品在具象的表現下更多的是抽象的繪畫形式和精神性的表達。
看似極簡的圖像，對應的卻是復雜的創作過程和大量的時間投入。在引發一場視覺矛盾的同時，勾勒出的是藝術家的精神修行。
楊家勇作品背后所傳達的寓意是開放性的，所有的形狀和物體都是擁有生命的，所以，不同的觀者在面對楊家勇作品時，會產生不同的內心映象。對于觀者來說這也是屬于個體的“唯一性”。
劉春柳《大樹和小鳥》
尺寸：180×200cm×3
年代：2017年
質地：布面油畫
估價：RMB 20萬-30萬
《大樹和小鳥》創作于2017年，是能夠代表劉春柳藝術水準和詩意內涵的一件重要作品。作品描繪了一個由山川植物、人類和奇幻生物所構成的異度空間。畫面充滿原始的生命力量，在平靜美好的風景中，卻又暗含著危險與沖突。
劉春柳筆下的大樹是生命存在的象征，善惡美丑在這里匯聚和展現，各種生命形態相互競爭和糾纏。這是幻想的世界也是象征的世界，天使和魔鬼，美麗與邪惡，創造和毀滅的力量，沖擊著觀眾對世界的陳舊的直觀印象。
李果 《恐龍》
尺寸：100×100cm
年代：2022年
質地：布面油畫
估價：RMB 2.5萬-3.5萬
李果筆下的玩偶不再是玩偶，陷阱不再是陷阱，真實也不再是真實……原初意義上的玩偶沒有世界，沒有身份，但在李果的畫面中，它被賦予了某個角色，它成為一個主體，似乎與生活世界有所牽連。與其說李果為我們搭建了一個玩偶的世界，毋寧說他為自己虛構了一個生活世界。
在他眼中，生活本身或許就是一個寓言，真實又荒誕，美麗又殘酷。而畫面中最為顯白的也是屢屢出現的那些玩偶。表面上，再普通、平凡和日常不過，但一經語言的轉化，自然地成了一個具有多重所指的暗喻。
透過李果的《恐龍》，卡通的恐龍清新的色彩和略顯笨拙，粗糙隨意的技法讓畫面有了一絲希望和青春的氣息?，F實帶來的孤獨無助背后，又充滿對美好希望和向往。
張琳《被燦爛的與被毀滅的 102》
尺寸：120×150cm
年代：2022年
質地：布面油畫
估價：RMB 3萬-5萬
日常生活中雙眼可以捕捉到的風景，而這種風景來源于內心世界具有特殊意義的景象。張琳將繪畫內容看作與觀眾緊密相連的虛構空間，無論它僅僅再現了實物，還是一種沒有重復價值的裝飾形式。人們從畫面中直觀地想到什么？或許又是另一番景象。
《被燦爛和被毀滅的》系列為藝術家的最新思考：關于生命，是被堆積起來的燦爛和被包圍的瞬間的毀滅，在奇異抽象中給人視覺沖擊。
在《被燦爛的與被毀滅的 102》中創造了一種和觀者相關聯的虛幻空間，而這正是藝術家創造的“景象”。觀看角度的改變，想要觸摸的沖動，拉進了作品與人的距離，乃至觀者與畫面的交流更進了一步。
孟溯
《魔術師》、《橙色氣球》
尺寸：80×100cm
年代：2022年
質地：布面油畫
估價：RMB 1.8萬-2.8萬
當下的藝術作品已經不再只是簡單的圖像再造，或現實再現，它更多的是在強調一種情感的傳達。面對庸常生活時所做出的或和解，或潰敗，或短暫勝利，或精神出走的生命狀態，是孟溯源于生活本身所做出的鏡像式敘事。
孟溯的作品像他所認識的藝術一樣，以平和淳樸的線條構建畫面，直接又深刻的表述著他對這個世界的認知。完成的的圖像不僅限于圖像本身，而是更多的隱喻和延展。
尺寸：80×100cm
年代：2022年
質地：布面油畫
估價：RMB 1.8萬-2.8萬
《魔術師》和《橙色氣球》均為其2022年的新作。在《魔術師》中，戲謔耿直、狡黠笨拙，是孟溯以個人視角從日常生活經驗中提煉的小趣味。
《橙色氣球》中，畫面沒有沉重的包袱，看似直接的繪畫視角又帶著窺探的意味，稚拙的線條及略顯褪色的色調里，成為他在刻畫世界時一直持有的強烈個人風格的寓言式解構。
王鵬杰 《健康之神》
尺寸：140×100cm
年代：2022年
質地：布面丙烯
估價：RMB 2.5萬-3.5萬
王鵬杰的繪畫，畫面無論相對激烈或相對平靜，都包含有其一貫追求的鮮活的具體性和特殊性。他盡可能地探尋繪畫在形象感和敘事性等方面的多種可能性，并借此探尋繪畫在全新文化情境中的語言結構和審美特質。
“神話”系列自2015年開啟，在藝術家看來，“神話圖像系譜里面包含著一種信件式的代碼規則，交由讀者來拆解，拆解出來的心得雖迥然相異，卻都是關乎當下感受的。”《健康之神》無疑是藝術家關于當下思考的最恰當說明。
龔新如 《在路上系列 - 肖像》
尺寸：150×120cm×2
年代：2012 年
質地：有機玻璃等綜合材料
估價：RMB 16萬-20萬
關注世界各地發生的交通事件的龔新如，從交通環境到生命，十年如一日的將創作專注于“在路上”，這既是一種肉身經驗也是思考的場域。
“在路上系列”旨在探索交通人的潛意識心理，追求對生命的關注與對自由的向往，重新審視現實，完成自我在精神領域的對話。在創作中，藝術家將臉龐的輪廓線作為基本載體，重復變換著內部的交通符號和顏色，表達了身處城市的紛繁情緒。
《在路上系列·肖像》中，運用交通符號組成不同情緒的表情圖像，醒目又獨特，透露出極富個性的幽默感。這是龔新如行駛在路上多年思考的積累，也是龔新如作品創作思路的來源與心得。
